O que The Last Photograph no TIFF significa para Zack Snyder?

The Last Photograph estreia no TIFF, sob a perspectiva da autoria de Snyder, sua liberdade criativa e o significado deste projeto independente.

Quando um cineasta conhecido por grandes produções de Hollywood decide apresentar um novo filme em um dos principais festivais internacionais de cinema, é natural que surjam interpretações sobre o que essa escolha representa para sua carreira. No caso de Zack Snyder, a questão ganha uma dimensão ainda maior porque The Last Photograph não é apenas seu próximo filme: é um projeto que Snyder pensa em fazer há mais de 20 anos, e foi realizado de forma independente e que agora terá sua estreia mundial no Toronto International Film Festival, o TIFF. A sessão está marcada para 13 de setembro de 2026, como um evento especial do festival, e o filme chega a Toronto ainda sem uma distribuidora comercial anunciada.

É justamente por isso que vale colocar essa estreia em perspectiva. A presença de um filme em um grande festival não significa automaticamente que seu diretor esteja tentando recuperar prestígio, muito menos que sua carreira tenha entrado em decadência, como afirmam os haters. Da mesma forma, um festival não funciona simplesmente como uma etapa burocrática antes de uma estreia comercial. Dependendo do filme, do diretor e do momento de sua carreira, uma seleção pode representar uma vitrine artística, uma oportunidade de mercado, o início de uma campanha de premiação, uma porta de entrada para distribuidores ou uma maneira de apresentar uma obra ao público dentro de um contexto cinematográfico específico. Para compreender o significado de The Last Photograph em Toronto, portanto, é necessário entender primeiro o papel que festivais como o TIFF desempenham dentro da própria indústria.

Validação artística e “status de prestígio”

Um festival de grande porte funciona como uma importante plataforma de legitimação e circulação cinematográfica. Não se trata de um certificado oficial de qualidade, mas da criação de um contexto no qual um filme pode ser discutido por críticos, jornalistas, programadores, distribuidores, profissionais da indústria e pelo próprio público sob uma perspectiva diferente daquela proporcionada pelo lançamento comercial convencional. A simples presença em uma seleção relevante já coloca a obra em contato com um circuito de discussão que ultrapassa a lógica imediata de bilheteria, marketing e desempenho comercial.

Isso é especialmente relevante para cineastas que trabalham dentro do sistema de grandes estúdios. Hollywood produz filmes em escalas muito diferentes, e existe uma distinção cultural bastante forte entre um projeto entendido principalmente como produto de uma franquia ou propriedade intelectual e aquele apresentado como uma obra de determinado cineasta. Quando um diretor leva um filme a um festival de prestígio, seu nome passa a participar de uma conversa que não está limitada ao tamanho da produção, ao potencial de uma sequência ou à quantidade de ingressos vendidos. O filme passa a ser observado também como expressão de uma visão cinematográfica, e isso pode contribuir para reforçar a percepção de que aquele diretor possui uma assinatura própria.

Uma boa recepção pode ainda fortalecer a posição de um cineasta dentro da própria indústria. Críticas positivas, entrevistas, repercussão entre profissionais e interesse de distribuidores podem aumentar o valor percebido de um projeto e, consequentemente, contribuir para que o diretor tenha mais força ao apresentar o próximo. Isso não significa que uma seleção em festival garanta automaticamente mais orçamento ou liberdade criativa, mas significa que a recepção pública e crítica de uma obra pode alterar a maneira como o mercado enxerga aquele trabalho e, em determinadas circunstâncias, ampliar as possibilidades profissionais que surgem a partir dele.

Toronto ocupa uma posição particularmente interessante nesse ecossistema justamente porque o TIFF construiu, ao longo de sua história, uma relação muito forte entre público, imprensa e indústria. O festival não é apenas uma vitrine para cinema independente ou de arte; também recebe grandes produções internacionais e filmes de Hollywood, criando um espaço em que obras de naturezas muito diferentes podem ser colocadas em circulação. Essa combinação faz com que a experiência de Toronto tenha uma dimensão artística e, ao mesmo tempo, comercial, especialmente para filmes independentes que ainda precisam encontrar distribuidores.

Por isso, a importância de Toronto não está apenas no prestígio associado ao nome do festival, mas também naquilo que acontece ao redor da exibição. Um filme pode gerar cobertura jornalística, despertar interesse de compradores, encontrar uma distribuidora e começar a construir uma narrativa crítica antes mesmo de possuir uma distribuição comercial definida. No caso de uma obra independente como The Last Photograph, essa dimensão de mercado é particularmente importante porque a seleção não representa necessariamente o ponto final de sua trajetória comercial, mas pode ser justamente uma das portas para que ela comece.

O início da temporada de premiações

Existe ainda uma segunda função tradicional do circuito de festivais de outono: a temporada de premiações. É importante, porém, corrigir uma ideia bastante difundida: não é obrigatório que um filme passe por Veneza, Telluride ou Toronto para disputar o Oscar. Existem filmes indicados e vencedores que não fizeram esse percurso. O que existe é uma relação estratégica entre os grandes festivais do segundo semestre e a construção das campanhas de premiação, já que essas plataformas oferecem aos estúdios e aos cineastas uma oportunidade de apresentar seus filmes justamente quando a atenção da indústria começa a se voltar para a temporada seguinte.

O motivo é relativamente simples: os festivais antecipam a conversa. Um filme estreia, os primeiros jornalistas e críticos assistem, as primeiras críticas começam a aparecer, atores e diretores participam de entrevistas e sessões de perguntas e respostas, representantes de estúdios observam a reação do público e, gradualmente, começa a se formar uma percepção sobre quais filmes podem ter força durante a temporada de prêmios. Um título que até então existia apenas no calendário de lançamentos pode, em poucos dias, transformar-se em candidato a uma série de categorias, enquanto outro que chegava cercado de expectativas pode perder espaço caso a recepção seja abaixo do esperado.

Toronto é particularmente importante nesse processo porque seu público também participa diretamente da avaliação dos filmes. O People’s Choice Award é decidido pelos espectadores do festival e, ao longo de sua história, tornou-se um dos indicadores mais observados da temporada. O prêmio não determina o que acontecerá no Oscar, evidentemente, mas uma recepção muito forte em Toronto pode contribuir para transformar um filme em um dos grandes assuntos do momento, principalmente quando essa resposta do público coincide com boas críticas e uma campanha de estúdio já estruturada.

O efeito pode ser ainda mais significativo para os diretores. Quando uma obra começa a ser discutida como possível candidata a Melhor Direção, o nome do cineasta passa a circular em uma conversa de prestígio que ultrapassa o desempenho comercial do filme. O diretor deixa de ser discutido apenas em termos de “funcionou ou não funcionou” e passa a ser analisado dentro de uma tradição cinematográfica, de uma linguagem e de uma trajetória. Isso pode ter consequências que vão além daquela temporada específica, especialmente quando a recepção de um filme ajuda a consolidar determinada percepção crítica sobre seu realizador.

É por isso que um festival pode funcionar como uma espécie de teste público antes da temporada de premiações. Uma recepção extraordinária pode transformar um filme em favorito e ampliar sua presença nas discussões sobre o Oscar; uma reação morna pode fazer um estúdio alterar sua estratégia ou concentrar esforços em outros títulos; e uma recepção extremamente negativa pode enfraquecer uma campanha antes mesmo que ela ganhe força. O festival, nesse sentido, não cria sozinho o prestígio de uma obra, mas pode ser decisivo para determinar como ela será recebida e discutida durante um período em que a atenção da indústria está particularmente concentrada.

Quando um festival pode realmente indicar um problema?

É preciso ter cuidado com a ideia de que uma mostra secundária representa automaticamente um rebaixamento. A programação de um grande festival não funciona como um ranking simples em que a melhor produção vai para uma seção e a pior é empurrada para outra. Questões de calendário, disponibilidade, contratos de estreia, gênero, duração, estratégia de distribuição e até o perfil de cada mostra influenciam a seleção. Um filme pode estar em uma seção diferente da principal por uma série de razões que não têm relação direta com sua qualidade.

O problema aparece quando diferentes sinais negativos começam a se acumular. Se um cineasta que tradicionalmente possui acesso às principais vitrines passa a ocupar espaços muito menos relevantes, seu filme não desperta interesse de distribuidores, recebe críticas particularmente negativas e o próprio estúdio deixa de tratá-lo como uma peça importante de sua temporada, aí sim pode existir uma leitura preocupante. Nesse caso, não é um único elemento isolado que indica uma possível perda de prestígio, mas a combinação de vários fatores que apontam para uma redução do interesse da indústria pelo projeto.

A questão da distribuição é especialmente importante no caso de produções independentes. Um filme pode chegar a Toronto justamente para procurar um comprador e transformar sua participação no festival em uma oportunidade concreta de chegar ao público. Nesse cenário, o festival não é o destino final da obra, mas uma espécie de vitrine comercial. Se compradores demonstram interesse, a passagem pelo festival cumpriu uma função fundamental; se ninguém se interessa, o problema não está simplesmente na seleção do festival, mas na incapacidade do filme de transformar aquela exposição em uma oportunidade comercial.

Por isso, a presença de um cineasta consagrado em uma grande mostra não deve ser interpretada isoladamente como sinal de decadência. Quando um diretor apresenta um projeto em uma das principais vitrines do circuito, consegue atenção da imprensa e coloca seu filme diante de potenciais distribuidores, ele está utilizando uma das ferramentas mais tradicionais da indústria cinematográfica. O contexto em que essa participação acontece é muito mais importante do que a simples existência de uma seleção.

O caso de Zack Snyder

Até este momento, Zack Snyder nunca havia apresentado um longa-metragem no Festival Internacional de Cinema de Toronto. The Last Photograph muda isso. O filme terá sua estreia mundial no TIFF em 13 de setembro, em uma sessão especial, e chega ao festival como uma produção independente que ainda busca distribuição. Essa condição torna a participação particularmente interessante porque Toronto, neste caso, não está apenas servindo como uma vitrine de prestígio: o festival também coloca o filme diante de um mercado potencial.

Essa informação é importante porque Snyder passou grande parte de sua carreira associado justamente ao extremo oposto desse modelo. 300, Watchmen, O Homem de Aço, Batman vs. Superman, Liga da Justiça, Army of the Dead e Rebel Moon são projetos de escalas muito maiores, vinculados a estúdios, franquias ou plataformas de distribuição já estabelecidas. The Last Photograph, por outro lado, foi produzido de maneira independente e representa um projeto que Snyder procura desenvolver há muitos anos. Sua chegada a Toronto, portanto, não deve ser analisada como uma simples repetição do modelo que marcou a maior parte de sua filmografia, mas como uma experiência diferente dentro de uma carreira que até aqui esteve muito mais associada ao grande cinema comercial.

Isso também muda a leitura sobre a própria presença de Snyder no festival. Não estamos diante de um diretor que foi repentinamente “descoberto” por um festival, nem de alguém que precisa provar que sabe dirigir um filme. Snyder possui uma carreira de mais de duas décadas, uma assinatura visual reconhecível e uma filmografia na qual sua participação criativa é facilmente identificável. O que Toronto pode oferecer é outra coisa: um novo contexto no qual essa autoria possa ser observada a partir de critérios diferentes daqueles que normalmente acompanham seus grandes projetos.

Essa distinção é fundamental. Dizer que Snyder pode utilizar o festival para “se tornar um cineasta autoral” seria equivocado, porque sua autoria não começa em Toronto. Ela está presente na maneira como seus filmes são construídos, fotografados, montados e visualmente concebidos, além da recorrência de determinados temas e escolhas estéticas ao longo de sua filmografia. O que pode mudar é a maneira como essa autoria é enquadrada por parte da crítica e da indústria quando ela aparece associada a uma produção independente, sem a mesma escala ou as mesmas expectativas comerciais de seus blockbusters.

Snyder frequentemente é apresentado primeiro como o diretor de grandes blockbusters controversos. Sua escala de produção, sua relação com franquias e a reação polarizada a alguns de seus filmes muitas vezes ocupam o primeiro plano da discussão. Isso não significa que ele não seja reconhecido como autor; significa que sua autoria costuma ser discutida dentro de um contexto em que o espetáculo comercial é uma parte inseparável da conversa. The Last Photograph pode permitir que esse enquadramento seja ampliado justamente porque o filme não está submetido às mesmas condições de produção que definiram boa parte de sua carreira.

Esse é um fenômeno interessante porque outros diretores de Hollywood conseguiram construir, ao longo dos anos, uma percepção institucional bastante consolidada de ‘autor dentro do blockbuster’. Christopher Nolan é um exemplo evidente. Ele também trabalha com grandes estúdios, enormes orçamentos e produções de escala monumental, mas sua filmografia passou a ser enquadrada de maneira cada vez mais clara como a obra de um cineasta com uma visão própria. Dunkirk, por exemplo, foi apresentado em Toronto em 2017 e entrou no circuito de festivais e premiações sem que isso significasse uma tentativa de ‘salvar’ a carreira de Nolan. Pelo contrário, a passagem pelo festival ajudou a inserir um grande filme de estúdio em uma conversa que envolvia cinema, direção e reconhecimento artístico.

A comparação é útil porque demonstra que autoria e escala não são conceitos incompatíveis. Um filme pode custar centenas de milhões de dólares e continuar sendo profundamente identificado com seu diretor. O problema não está no tamanho do filme, mas na forma como a obra é recebida e enquadrada. Da mesma maneira, um projeto independente não se torna automaticamente mais autoral apenas porque possui orçamento menor. No caso de The Last Photograph, a diferença está principalmente na oportunidade de observar Snyder trabalhando dentro de uma estrutura que não é aquela que tradicionalmente acompanhou seus grandes filmes.

Toronto não precisa descobrir um diretor para mudar a maneira como ele é percebido

A história do TIFF oferece vários exemplos de cineastas que utilizaram o festival em diferentes momentos de suas trajetórias. Denis Villeneuve, por exemplo, esteve em Toronto em 2013 com O Homem Duplicado, enquanto Os Suspeitos também fazia parte daquele momento de projeção internacional de sua carreira. Villeneuve já tinha uma trajetória própria e não estava sendo descoberto do zero, mas seus trabalhos ajudaram a demonstrar que sua linguagem poderia ser incorporada ao cinema americano de gênero sem que ele precisasse abandonar sua identidade. A importância daquele momento não estava em apresentar ao mundo um diretor desconhecido, mas em mostrar como um cineasta já estabelecido poderia transitar para uma escala e um mercado diferentes preservando sua identidade.

O caso de Jason Reitman demonstra outra função do festival. Obrigado por Fumar passou pelo circuito de Toronto antes de Reitman consolidar sua posição em Hollywood com Juno. Nesse caso, a vitrine ajudou um cineasta ainda em ascensão a transformar uma obra independente em uma oportunidade concreta dentro da indústria. A mesma plataforma, portanto, pode desempenhar funções completamente diferentes dependendo do momento da carreira de quem está apresentando o filme.

Esses exemplos mostram por que não existe uma única maneira de um festival alterar uma carreira. Para um diretor iniciante, pode ser uma porta de entrada. Para um cineasta já estabelecido, pode ser uma oportunidade de apresentar uma faceta diferente. Para um diretor de grandes produções, pode ajudar a reforçar uma percepção autoral que já existe. Para um filme independente, pode ser o lugar onde finalmente encontra distribuição. O significado da seleção está diretamente relacionado ao contexto em que ela acontece.

Por isso, The Last Photograph não precisa ser encarado como uma tentativa de Snyder de abandonar sua trajetória anterior ou de pedir à indústria uma espécie de absolvição crítica. A questão é muito mais interessante: pela primeira vez em sua carreira como diretor de longas, ele está colocando uma obra independente em um circuito que permite que ela seja analisada por critérios diferentes daqueles que normalmente acompanham seus grandes projetos. Se o filme for bem recebido, isso poderá gerar críticas positivas, interesse de distribuidores e uma nova conversa em torno de Snyder, mas o termo mais adequado para descrever esse movimento não é necessariamente “reinvenção”. Trata-se, antes, de uma ampliação da forma como sua carreira pode ser observada.

A indústria não precisa descobrir que Snyder é um autor. O que pode acontecer é que ela seja colocada diante de uma obra em que essa autoria esteja menos escondida atrás da escala de uma franquia, de um orçamento gigantesco ou das expectativas de um blockbuster. E essa diferença é essencial para entender por que a estreia em Toronto pode ser tão importante: não porque um festival tenha o poder de transformar um diretor em algo que ele nunca foi, mas porque pode oferecer uma nova lente para enxergar aquilo que já estava presente em seu trabalho.

E é aqui que Snow Steam Iron entra nessa história

Existe uma tendência curiosa quando se fala sobre The Last Photograph: a ideia de que, porque Snyder dirigiu filmes destinados ao cinema ao longo de praticamente toda a sua carreira, um novo longa-metragem seu deveria obrigatoriamente seguir o mesmo caminho. Como se a trajetória anterior criasse uma espécie de obrigação para o projeto seguinte: se é um longa de Zack Snyder, então necessariamente precisa ter uma distribuição cinematográfica tradicional, uma campanha de lançamento convencional e uma passagem pelos cinemas antes de chegar ao público, caso contrário, provaria um fracasso na carreira. Mas essa lógica parte de uma premissa equivocada, porque confunde a carreira do diretor com a finalidade específica de cada obra.

A própria trajetória de Snyder oferece um exemplo que desmonta essa ideia. Em 2017, entre Batman vs. Superman e Liga da Justiça, Snyder realizou Snow Steam Iron, um curta de aproximadamente quatro minutos filmado em um iPhone, produzido com amigos e familiares e pensado deliberadamente a partir de uma proposta completamente diferente de seus grandes longas. O projeto nasceu, inclusive, ligado à ideia de demonstrar que seria possível realizar um filme utilizando recursos extremamente acessíveis, depois que Snyder percebeu que estava planejando ensinar fundamentos de cinema sem nunca ter feito um projeto inteiro nessas condições. O resultado não foi concebido como um novo blockbuster reduzido de tamanho, mas como um exercício cinematográfico com outra finalidade.

Por isso, Snow Steam Iron não precisava ir ao cinema. O curta foi pensado, produzido e distribuído de acordo com aquilo que pretendia ser, chegando diretamente ao público por meio da internet em vez de seguir o caminho tradicional de uma produção destinada ao circuito comercial. O fato de Snyder ter acabado de dirigir grandes filmes para o cinema não criava nenhuma obrigação de transformar aquele pequeno projeto em uma experiência teatral. Seu propósito era outro, sua escala era outra e seu modo de produção era outro.

É exatamente essa distinção que precisa ser aplicada a The Last Photograph. O fato de Snyder ter dirigido 300, Watchmen, O Homem de Aço ou Batman vs. Superman, Army of the Dead e Rebel Moon, não significa que todo filme posterior precise reproduzir o mesmo modelo de lançamento. Uma carreira não é uma fórmula que determina antecipadamente o caminho de cada obra. Um diretor pode fazer um blockbuster de centenas de milhões de dólares, depois realizar um curta experimental com um celular e, anos mais tarde, produzir de maneira independente um longa que encontra seu primeiro público em um festival internacional. Não existe contradição nisso; existe simplesmente uma mudança de propósito.

The Last Photograph chega a Toronto justamente dentro dessa lógica. O filme é independente, foi desenvolvido depois muitos anos sendo pensado e está sendo apresentado a um público de festival ao mesmo tempo em que busca uma distribuição. Toronto oferece, portanto, um espaço que combina aquilo que uma obra como essa precisa neste momento: exposição crítica, contato com o público e acesso ao mercado. Não é uma evidência de que Snyder tenha perdido espaço ou de que esteja sendo obrigado a aceitar um caminho inferior ao cinema comercial. É uma escolha compatível com a natureza de um projeto que nasceu fora da estrutura tradicional de seus grandes filmes.

Talvez, portanto, a pergunta mais interessante não seja “por que o novo filme de Zack Snyder não está seguindo o mesmo caminho dos anteriores?”, mas “o que este filme pretende ser?”. Essa mudança de perspectiva é importante porque permite compreender que o caminho de distribuição de uma obra não determina seu valor e tampouco precisa ser uma extensão automática do caminho percorrido pelos trabalhos anteriores de seu diretor.

Snow Steam Iron já havia demonstrado que Snyder não mede sua relação com o cinema apenas pelo tamanho da tela, do orçamento ou da produção. O cinema, para ele, também pode ser um exercício de experimentação, um projeto feito com amigos, uma obra de quatro minutos filmada com um celular ou, agora, um longa independente apresentado pela primeira vez diante de uma plateia de um dos maiores festivais do mundo. Em todos esses casos, o que determina o formato é a obra que está sendo realizada, e não uma obrigação criada pelo currículo do diretor.

The Last Photograph não precisa ir ao cinema porque Snyder já foi ao cinema antes, assim como Snow Steam Iron não precisava ir ao cinema porque Snyder havia dirigido Batman vs. Superman. O fato de um cineasta possuir uma extensa trajetória comercial não transforma cada novo projeto em uma obrigação de repetir o modelo anterior. Cada obra possui seu próprio propósito, sua própria escala, seu próprio processo de produção e, consequentemente, seu próprio caminho até o público.

É justamente por isso que a estreia de The Last Photograph em Toronto pode ser tão significativa. Pela primeira vez, Snyder apresenta um longa-metragem independente em uma plataforma que permite observar seu trabalho a partir de uma combinação diferente de critérios, colocando sua autoria em contato direto com crítica, público e mercado. Se o filme for bem recebido, o resultado poderá ser muito maior do que simplesmente conseguir uma distribuidora: poderá abrir uma nova conversa sobre o cineasta e demonstrar que a escala monumental de seus filmes anteriores nunca foi condição para a existência de sua autoria. O tamanho do filme pode mudar; o autor continua sendo o mesmo.

Conclusão

Se determinado crítico parte da conclusão de que Snyder é, por definição, um cineasta superficial, fetichista da imagem, dependente de efeitos visuais, de grandes orçamentos ou de propriedades intelectuais já estabelecidas, qualquer blockbuster pode ser interpretado como confirmação dessa tese. A escala vira “prova”. O excesso visual vira “prova”. A mitologia heroica vira “prova”. Até escolhas narrativas que poderiam ser discutidas de maneira mais aberta acabam sendo encaixadas previamente na interpretação que o crítico já decidiu fazer.

Um filme como The Last Photograph pode deslocar justamente esse campo de leitura. Não porque obrigará todos esses críticos a gostar de Snyder — e nem porque um festival automaticamente transforma um diretor em grande artista —, mas porque retira algumas das ferramentas mais fáceis utilizadas para sustentar determinadas leituras sobre ele. Se você apresenta um Snyder trabalhando em uma produção independente, menor, pessoal, fora de uma franquia, sem o aparato de uma propriedade intelectual de estúdio e sem a necessidade de justificar centenas de milhões de dólares investidos, torna-se muito mais difícil atribuir a existência daquela autoria exclusivamente à máquina de Hollywood.

E existe uma ironia interessante nisso: talvez a maneira mais eficaz de demonstrar que Snyder sempre foi um cineasta autoral seja justamente colocá-lo em uma situação na qual ele não possa ser reduzido à escala de suas produções anteriores.

Isso também reforça a importância de Toronto. O festival não está “dando” a Snyder um certificado de autor. Snyder chega ali já sendo Snyder. O que muda é o contexto em que seu trabalho será apresentado e, consequentemente, as perguntas que podem ser feitas sobre ele. Em vez de a discussão começar por “quanto custou?”, “qual franquia é essa?”, “qual personagem está sendo adaptado?” ou “quanto arrecadou?”, pode começar por questões muito mais diretamente relacionadas ao cinema: o que esse diretor está tentando expressar? Como ele constrói essa narrativa? Que escolhas formais faz quando não precisa atender às mesmas exigências de uma superprodução? O que permanece quando se retira a escala?

E talvez essa seja justamente a experiência mais interessante para Snyder neste momento. Não provar que consegue fazer um filme pequeno, mas mostrar que, quando se reduz a escala, a autoria não desaparece. Pelo contrário: determinadas características que sempre foram associadas ao seu cinema podem continuar presentes mesmo quando não existe uma superprodução ao redor delas. Além disso, também coloca a The Stone Quarry diante de potenciais parceiros e compradores em uma configuração na qual a própria produtora assume um papel mais diretamente ligado à viabilização de um projeto independente.

Isso é particularmente relevante diante de críticas construídas sobre conclusões prévias. Um novo contexto não necessariamente muda a opinião de quem já decidiu não gostar do cineasta — e seria ingênuo esperar isso. Mas pode ampliar o terreno da discussão, obrigando a crítica a lidar com um objeto que não se encaixa tão facilmente na caricatura anterior.

Toronto pode abrir uma nova conversa sobre a autoria de Snyder, não para transformá-lo em autor aos olhos da crítica, mas para demonstrar que sua autoria nunca dependeu da escala monumental de seus filmes, porque pode transformar The Last Photograph não em uma tentativa de Snyder de obter um selo de aprovação da crítica, mas em uma oportunidade de retirar algumas das lentes viciadas através das quais ele vem sendo lido há anos e observar o que sobra quando o espetáculo de suas produções deixa de ser o argumento principal.

Portal Zack Snyder • BR: De fã para fã
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